【 員工教育訓練・說明 】

以下灰色字體部分是由員工投稿繳交的閱讀心得，除了將涉及法律事務與職務機密的相關內容刪減，將全文登出，希望能獲得各界朋友理解我們不斷努力充實與精進提升的目標是什麼，也希望能獲得大家善意的回饋互動。

近期內將會分享更多同事們的各種心得，也希望能借用大家的視野讓我們更加進步與更多美好~

心得內文

—————— 心得・開始 ——————
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我們的序

又醒來了，不管是深夜或是清晨，像是不斷跨越在這時空的來回穿梭中醒了，又像是從夢魘中驚醒，卻湊不起零碎的記憶碎片，有時候根本不曉得自己的靈魂到底竄入哪個深處，時常找不著、摸不清，反覆迷失自我，日復一日，尤其是十一月，精神狀態極為瘋狂慘烈，我的人格很明顯地告訴著我有很多個模樣，無比豐富，卻又創造出令人難以承受的狀態，無法割捨也還無法迎合它，像在砧板上任人宰割。

快樂究竟從哪裡產生，悲傷又是怎麼被賦予的，我們的複雜情緒如何轉換、如何被平復，又如何掀起波瀾，我想這些是日常的情緒表達，但仔細思考追根究底，確實是個很抽象的東西，人又是從何哪裡誕生，這些繁雜的東西確實沒有得體的答案對吧？但我們還是要不斷地思考這個問題，才能符合我們身而為人其中的意義之一，對吧？儘管我們不斷學習不斷往前，終究無法到達那個最神聖的地方，但奔跑依舊是人生的其中意義，是吧？

即將奔放

台北的太陽打散了宜蘭的陰雨氣氛，這樣的轉變是很值得冥想的一天。這是參與的第三年的Art Taipei，藝術，確實就與人生如此相似，它可以有意義，它也可以虛無存在，甚至毫無任何價值，但卻是如此才得以產生趣味，引人入勝。

依舊是馬不停蹄的一天，甚至希望今日可以晚一點日落，再讓我擁有更多時間。一樣是茫茫人海的展場，大家在一樣的時間點準備進入展場，奔向不同的區域，找尋自己最值得的作品，這個時間點是平等的，卻造就出不同的心境、不同的路線以及不同的深度，等到整個展場遍佈人群的時候，最初冥冥的引導就此結束，再來就由個人心智直奔自己心所屬的位置。

今年參加的兩場，很明顯地當代藝術與藝術博覽會的層次呈現了差異。肉體的契合與心靈的契合，我越來越能感受到差別了，不管是一眼吸睛，還是慢慢尋覓到的，只要感受對了，就應該停留時間細細觀察，就算停留在腦海中，也需要花時間放空，去感受想像，即便它傳遞給你新的東西與自身融合，依舊是它的本質，並不會因此就改變。

審判

一次面對所有作品都似乎要被麻痺，所以只能趕緊奔跑，離開這種狀態，有時候甚至是以一個空殼的狀態再觀賞它，完全沒有任何交集，或許是前幾次看見令人驚艷的作品，導致越來越令人感到糟糕的錯覺，肉體與大腦到最後一刻依舊是那熟悉、被掏空的感覺，這五個小時我到底獲得了什麼，腦中不斷迴響，一種錯覺告訴著我這會是一場絢爛的視覺盛宴，不料卻不是這種體悟。最優秀的藝術品到底在哪裡，並沒有吧，令人不悅的作品遍佈整個展場，才知道一見傾心的作品實在難得可貴。

在轉角的一個展場，左側掛滿了作品，幾位老人家在中間圍爐。也正好，不會讓他們我錯愕的臉，看了第一幅後，我不知所云，猶豫不決，接著慢慢地游移目光，掃過去右邊的作品，心想只是這幅畫令我不喜歡。我開始移動身子，邊想著或許是我沒有與這個磁場頻率相同，全部看完之後，是的，我想我遇到了令人不舒服的作品，原本要直接離開這個地方，但我想我應該要拍照下來紀錄，畢竟這也算我的第一次體驗。

畫中宛如被惡夢追著跑，我第一次那麼討厭紫色，骯髒的顏色，一點都不高貴、俐落，他的筆觸侵蝕著整幅畫作，甚至與暖色結合後更加離奇的怪異，像是很陰鬱的火焰正在焚燒屍體，那些燃燒後的煙霧似乎還瀰漫在空中，窒息著，似乎也無法獲得自由，即便死後還是進入煉獄的世界，銳利的痛苦，生活著，無法被救贖也無法逃脫。

也是如此，讓我對這位藝術家有了特別的印象，動態的張力非常強大，將對比色融合在一起，毫無留念地分散色料，留下那些殘餘的模糊，這是藝術家的特色之一，其中一幅讓我想到《刺激1995》出獄的那個老人，無聲的逝去，甚至這一切看似毫無意義，這可能是最可悲的憾事吧，但後來我思考著，如果是這樣萬念俱灰的人看見後，應該能夠被這些畫療傷吧，畢竟悲傷也是能夠治癒人心的。

《瀕臨樂土》系列-常陵 Chang Ling

終究會被影響，雖不願樂見這種色調，不得不反省、不得不承認自己內心真實的想法。常陵所描繪的對象以人、社會為主，他說：「我們的山與水早已被人性慾望剝奪，我只是將殘存的現實，單純表現出來。」對我來說也算是審醜與審美和合一體的作品。

看完《五花肉系列》、《大玄玄社會》，再看到《瀕臨樂土》會覺得他的繪畫視角很特別，第一點是使用色彩所流露的恐懼，但呈現出來的視角卻又讓人感受到安詳與和平，像是我們歷經千辛萬苦所到達的桃花源。顏色很難得被用在「襯托」，渲染些許情緒，但我認為這並不是主要想宣揚主體，同時有兩種，實物(大自然的堅不可摧)與虛(大自然與自身的無奈情緒再次交疊)的疊加在畫布上，這種緊緊依偎的關係並不會帶來緊張，卻會有一股很微弱的衝擊感，不斷在內心反覆著。我知道自己在看什麼，也知道自己感受到了什麼，所以令人感到訝異、神奇，而他又是以什麼身份在完成這系列的作品。

寺內壽太郎說得沒有錯，生而為人我很抱歉，但畢竟我們都不是純粹的，身邊儘管被許多美的事物所圍繞，依舊改變不了我們的本質，我們彰顯美的同時卻將醜陋的邪惡隱藏起來，都是自私的表現，但那顆活繃亂跳的心以及靈魂，在內心確實很誠實地存在著並且不斷呢喃，產生了另一面的善良、愛、溫柔，或許這就是人性最大的矛盾。每日都會有值得憂愁的事，卻只會專注於快樂的事物，來遮蓋住那些不想思考的破事，就跟圓形的那幅作品一樣，這是我們的本能，盡量將每一日過得圓滿，這種想法也確實是真實的逃避，並且不會受到責罰，真糟糕。

平淡的生活

《移動脈絡間的光No17.(The Light through shifting context)》-莊臥龍

閃閃發光，令我有感觸的是線條的動態，把畫中每一筆的想法牽引在一起，融合得自然又不會太灑脫，令人感到舒適，亮色系的點綴後鮮活地跳出畫板，甚至已經跳脫平面，至於色系也不常見，近看可能感受到平平無奇，但若瞇著眼睛，它的脈絡漸漸出現，這幅我越看越喜愛，充滿了智慧的情調。

《無名樹1(Unknown tree 1)》、《無名數2(Unknown tree 2)》

這兩幅分別使用暖色與冷色調，我蠻喜歡他的表現方式，讓光影佔據整體。一棵沒有葉子的樹木佇立於此，展露出赤裸的俐落美感，這種真實感令人嚮往，但若身邊圍繞著繁茂的葉片佇立著，我想可能較不孤獨吧，就這樣隨風搖動，即便已扎扎實實落地生根，卻還是可以與散落的葉片翩翩起舞。光影依舊同時有著動態，襯托本體的情感，這是屬於無名樹獨有的樂趣。

《季節》-徐明豐

第一眼出現了莫內的即視感，它的作品有點難理解，我看完所有作品又再回去一次，即便到現在正在使用電腦看著它，仍無法獲得一個正確的答案，它有很多意象、很多頻率，每一眼都是不同的視覺感受。他的作品皆為版畫創作，所以作品中的紋路很明顯，也使他的藝術品中有一種獨特風格，看了他之前的作品《心的景象》系列，蠻喜歡作品中帶有一些粗獷，且簡單明瞭的表達。

很明顯與本次2024 Season有不同的畫法，更為細緻、小心翼翼在表達四季，感到最深刻的應該是線的刻畫，他並沒有分別表示四季，卻有很多幅。還記得我在五月的時候認為春的色彩應為咖色，現在已經從秋天慢慢跨越到了冬天，而秋天又是什麼顏色呢？今年陰鬱的秋我卻看不見任何色彩，我也不想霸凌灰色，說這是他的顏色，就像是一團要準備混成黑咖色的顏料，上面還有綠色、藍色、紅色、紫色的痕跡，即便想要用白色將它混成舒適的顏色，也沒有力氣能夠擠出來了。

挫敗了，這系列我真的沒有任何情感的漣漪被激起，連視覺也毫無作為，從我開始寫後到快結尾了，他依舊被反綠在文章裡，越想要找尋，越找錯方向，歸根究底就是自己的問題，即便如此我依然要寫上來抒發。

而接續遇到的，是看見受雜訊的啟發而創作出來的作品，外在的能量干擾了訊號，而產生了那些電視中突然出現的雜訊短短幾秒，但是疑惑的是雜訊那一端是否真實存在著，這也是令我眼睛一亮的新思考，太過相信這世界能夠用肉眼所見的，反而從來沒去想過其他與這世界緊密連結的其他物質，所以當我看見這件作品時，雜訊混合的極為細膩，真令人不可思議，從未見過，用色上也讓我感受到面對未知的一絲怯生。

《Flowage 流變》-曲德義

意識清晰，很久沒有看見這麼這麼鮮豔又清新脫俗的色彩了，每個色彩都活出它的樣子，並不會有誰才是重點，整體耀眼的令人陌生，導致有點不敢靠近，但卻是那麼的想多看一眼。很特別的是並不會有與自然有所連結，是個很純粹低調的人為思想，總共有三種方向的顏料流動，右邊的平塗靜止，色塊的擴散，以及左邊潑灑動態，分割不會讓畫面單調或是矛盾，反而這種交錯令人舒適，色調比例很剛好，其他作品中的錯置風格更強烈，有更多色塊，一直不斷在之中拼接，這種方法很熟悉，原來與以前在排版雜誌風格很類似，跳脫色塊，再藉由色塊的分割，讓畫面穩定又不失單調。

《隙-積‧研》-權純益

權純益：「我不應為了未來而犧牲當下，也不應僅停留在過去的痛苦或喜悅中，而要停留在當下。儘管色彩和石墨這兩種不同的元素之間存在衝突，但我覺得活在當下並嘗試將它們很好地融合在一起是一件好事。」

在顏色之間不斷用石墨研磨，間隙成為了一個痕跡、標誌，我覺得創作期間，研磨的耗時過程是極為重要的，為了創造以及能在這段時間裡清楚它的去向。

間隙並沒有穩定住平衡畫面，甚至有點憋拗，像個小孩子一樣，但這種不平衡感卻成為了一種意象，而且它是較少見的靜態抽象，能夠凝視非常久，也讓兩色相撞後合產生另一種奇妙的介質，比起一般的融合出的邊界色，導致他們註定不會接觸到，即便距離相近，中間依舊有間隙隔著……。

像傷口，就算已經結痂掉落，皮膚還是有著那層淡淡的疤痕，數年後看著它，疼痛早已被遺忘，也遺忘了傷口來自哪裡，生命的曲折在此刻也許已被遺忘，但它依舊在那裡，跟隨著你。

《C-X》-Carsten Goering

圓，比起直線，圓厚實飽滿，難以被擊破，令人喜愛，天上那顆月亮，也時常令人感到安心，它能夠獨立成為個體，也能夠像《Swimmy》一樣，不一定每個圓都是完美的，有完美個圓也有零碎的圓，但都有它們可以待的位置，聚集在一起成為一個新的大個體，不過比起圓，不完美的圓以及那缺口卻更加觸動人心。

在每一個圓聚集成為一個的作品中，加上了線條，隨著位置變動會出現變動，有的被線條所覆蓋，看見剩餘的圓，與上次參與當代的Arnulf Rainer-Blumenserie 花系列手法有點類似，那些被遮蔽的圓依舊存在，只是我們只會把目光放在沒被遮蔽的圓，但當我走到另一邊，它們又重現原有的樣子，這是一種藝術的趣味，也引發人省思，主動所看見的，主動被隱藏的，畫面全由自己的視覺操縱。

途中角落的花

大概是今年最特別的走法吧，也是因為這一幅畫的開始，我帶著一點冒險的心態走進這窄小的地方，幾分鐘前還匆忙著快速看畫，不料卻因為它讓我開始放慢了腳步，觸動了，原來這樣的視角那麼獨一，連牆面都成為了它的畫框，那幅角落的花，燈光灑落在它身上，像是給予花兒們養分使它生長，我沒有走進觀賞，就遠遠地站著、看著，內心也漸漸沈澱下來，真是欣慰的美好畫面呢。

即便再混雜的世界，依舊有一小塊值得佔據內心的樂土，我堅信不已它的存在，它沒辦法馬上找到，卻會在某一天跟隨自己的心帶領著抵達那個位置，只是我們必須有信念地前進。

偉大的溫柔

《情歌》-Raduan Man 拉杜安曼

眼前這幅巨大畫作，我停下來偷偷抽考自己，這帶給自己的是什麼感受？看似很混亂、瘋狂，但我卻能感受到一絲安定，很舒服的畫面，裡面帶點天真爛漫，這是屬於他的「情歌」，這幅畫也因此讓我有了些許成就感，能夠真實與畫作對話，投射出他想表達的愛意，所謂的愛意並不是一片平滑，裡面有許多轟轟烈烈的筆觸，也有像是隨意扒上去的顏料，那些亂竄的線條，並不是故意的，應該是跟隨感情自然而然出現的波動，每一首情歌裡總是如此表達，畫中的張力詮釋了所有的愛與包容，成就出具動態的作品。

《芳菲祥瑞》-吳士偉

其實這幅畫讓我特別的喜愛是窗的意象，我根本不在乎房間內的那些花瓶擺飾，想起了家鄉傍晚的靜謐，除了大笨鳥以及蟬鳴，還有夜晚即將出現的牛蛙，有一次站在三樓端詳著這一切，什麼都不做，可以看著農民走在田間，看著燕子成群飛過一遍又一遍，看著火車疾馳而過，看著山上的路燈漸漸打開，最後看著太陽漸漸落下，時而輕拂的微風所散發的髮香也令我產生了某種情愫。

我床上方是一面窗戶，每天睜開的第一眼將會看見上方的窗戶，就像畫中一樣，只會看見樹林，連水泥建設都看不見，也是我非常珍貴的的畫面，那顆國小時種下的小樹，它已經超過我的窗戶，繼續往上生長，或許有一天它也會比日落的太陽還要高。

時常在某些時刻看見已過時、老舊的思想或是事物，像是在霎那間被暫停，只能維持著這樣子，無法再前進，無法像硬體繼續更新，在這樣子漸漸地老去、淘汰，對於不斷奔跑進步的我們，無法高喊口號帶領他們，也只能感到感嘆，用最高敬意的懷念來懷念他們，那樣的對比，似乎也呈現了一種別樣的美學。

《博爾賽納湖上最後的光亮》、《即將結束的熱潮》-Edoardo Cialfi

迷霧及風暴；恐懼及威脅，作品看似平淡，但覆上的那層朦朧，不管是視覺還是情緒的感受皆一一被昇華，這種曖昧的畫面會讓我更著重在情感的寄託。小時候我很常夢見我處於一個黑灰的地方，但有微弱的燈光照著我，圍繞著我的是很多面高大的黑牆，在那個空間很大，並不會感受到恐懼的氣息也不會窒息，就這樣反覆於夢中出現，而夢中的我也只是的站在那裡，到現在還能記起那個畫面。

看見Edoardo Cialfi作品後，記起那種令人朦朧的孤獨，其他作品中獨留的一棟房子、一棵樹，甚至是從濃霧中照出來的一束小光，都能瞬間將我跳脫出這個嘈雜的世界，那層霧的關係雖然非常曖昧，讓人能有許多遐想，也是種平淡的美好，也許這是種恣意的孤獨，撥動那顆想活出自由的心，閃電、相機、大草地、風，以及奔向它們的人。

《搖擺》、《月夜水面》、《遠處的夜晚》-林靖子

這位藝術家應該是當日最符合現在想要的狀態，欣賞並享受它的作品，我馬上就感受到很純真的氛圍，感情渲染得很快，膠彩的肌理，緊密繁複的線條，傳達出一種很獨特的生命力。

她四處旅行，看見各式各樣的自然風景，並且將美好的生命過程串連再一起。每過一段時間我喜歡再次回顧旅行時的天氣、場景、人、事物，即便是非常細節的每一幕，都會被我再次重整，雖然已停留在那天，但記憶與情緒卻可以被我帶走，想起這些嘴角不禁露出壞笑，但不得不說旅行最好的時刻是前、後，感悟最深刻的時候，在旅行當下都會被快樂因子給包圍，甚至分辨不出來自己的情緒。

所謂的美好對我來說應該是我們的所有感觸，像是東方的「會意」，將喜怒哀樂等聚集在一起所成為的新意象，最後成為的這柔和卻堅不可摧的生命，與她的畫風極為相似，筆畫的流動、心思細膩，皆來自對於萬物的虔誠，我很喜歡的是在朦朧中與那堅定的線條合而為一，不管方向是往哪邊，都有它的意義。會於畫中發現微小的月亮、人物，增添了一絲安定，我很喜歡這樣的比例，因為我們依舊存在生活中，我們也不會是絕對的至上，但心靈層面已遠遠大過物質層面。

我可以明白這些作品，我也可以感受，甚至因此更加期待未來，完全是我理想中的精神指標，能在今年遇見，像是冥冥之中的引導，霍剛先生也是，我想這是很值得慶幸的事。

說到大自然，全都是來自大自然，但有誰不喜歡大自然？大家都在表達祂所帶來的心境的美好，但又有誰能夠一直跟他們相處，對我們來說這只能是旅行，是個過客，更是個表面的假象，始終要回到水泥牆的世界裡。不過為了祂，很多次我們懶散的解因都是這樣被一一破解，總是能夠撫慰人心，快速被治癒，雖然這是看見作品後的感悟，但實際上我卻挖掘出一些人類的小心思，哈因為我也是人類呀。

我們小心翼翼地使用我們敏銳的五感去接觸大自然，美的耀眼卻不敢伸手去觸碰，膜拜祂、崇敬祂，雖然知道自身的渺小，但卻又貪婪地想要多窺探祂們，所以才會有更多延伸的想像，所以說藝術是否為大自然給人類的饋贈呢？也成為我們不可割捨的之一呢？

《藍色花朵(夜雨)》-李采

最初是空無，接著是全然的虛無，爾後則是藍的深邃。-Yves Klein。

藍色，是此藝術家創作時最常使用的、也像是他內心豐富的基調，簡約俐落及細緻的線條，也讓我的邊界延伸了許多。伊夫·克萊因已超出常態的藝術觀，令我深深羨慕，克萊因藍像是唯一陪伴他的實體，並且引領他進入永恆，之後在白石畫廊的網頁看見李采與豬熊克芳的藍調畫展，雖然豬熊克芳的作品沒有在Art Taipei展出，卻一眼就令我著迷它的豬熊藍，他會先上一層粉底色，接著才會上藍色，因此這種藍才會顯得沈穩，在藍中加入其他顏色，顏色之間的相融、擴張，不刻意逃避，自然而然地產生出的新延續色。

這次的展場也發現藍色的基調越來越多，以前從來不會想沾到這個顏色，後來漸漸地發現它跟紅色一樣，他們雖分別佇立在冷與暖的代表，卻也能夠拋開這個位置，擁有情懷，擁有多變性，甚至超出紅色的變化，是重塑性非常高的顏色，藍已經漸漸存在於我的生活圈了，它讓我不斷看到、感受到，它像花、像風、像溫柔、像思念、像自由、像永恆。

悟

在車上也好、火車上也好、飛機上也好，戴上耳機後看著窗外轉瞬的景色，那是另類與自己放空的時刻，但思考的、看見的，真正能夠留下的有多少，很多時候都是轉瞬即逝。

真正的悟，是日落與凌晨，是我發現我能放下所有、靈感奔放出來的時刻，即便不喜歡干擾到睡覺時間，但時常無可奈何，在這個慵懶的狀態戴上耳機後好像才是最恰當的時機，藉由音樂激發起內心的另外一個自己，陌生的感覺卻又很喜歡，累積著一整天的豐富卻不與人訴說的小秘密終於能夠一併倒出，拿來睡覺是否太可惜，可以做任何感性的事情，還有些許時刻會是在工作時突然產生的發想，轟隆炸進我的腦子，我想這是上天給的賞賜，或是給予的力量，必須趕緊拿手機記起，因為遺忘的感覺非常痛苦。

每位藝術家、再放大至每個作品，都是不同的背景層級，不同的心境及不同的走向，一個禮拜或許只能慢慢解析一、兩位的作品，期間還會衝出自己的不同人格，看久了會視覺疲乏，找不出各自的差異性，這種狀態很迷茫，但過了一兩天後再次看見藝術，又會是一股勁的靈感往上衝，霎那間明白了這些意義。

體驗

霍剛

在五月當代藝術展時以及在去年的藝術博覽會，知道他但對他一無所知，當時就想著期待這次的展出，能讓我再次探索像是宇宙的浩瀚，後來在展場的最後頭才遇見，也令人感到驚喜，我仍舊看不懂，但這好奇心卻使人打開了求知慾，對的，我就是需要這種未知的力量來引導。

我看了他的訪談及創作想法，跟我透過作品感受到的差不多，是個幽默樂天的人，他的談吐不會太過緩慢，語度令人舒服，同時他的人生有戰爭的痕跡，令他選擇能活下去的路，隻身前往台灣，所以在作品中的體悟會比一般藝術家更展現出具精神性的抽象。他是戰後開創現代藝術的八大響馬之一，創造出與當時傳統寫生及肖像畫以外獨樹一格的抽象藝術，從超現實改變至幾何抽象，極具「創造性、精神性、民族性以及個性」。

而被保留的個性是我最喜歡的一點，因為在創作的過程中，會有自己喜歡、別人喜歡、世界喜歡的東西，會抉擇並且分配比例，要創造出什麼？是為了迎合這世界，還是選擇只遵循自我的想法？這是我們都曾思考過的，但他並沒有為此捨棄掉自我個性。

即便已91歲的霍剛依舊拋出這句話：「藝術界這裡面學問是那麼大，我現在就是永遠探尋不完，我現在還在學習」，也令我想起《壽司之神》的二郎精神，霍剛先生揮灑畫筆時還是一樣靈動輕巧，大概能理解太宰治在《斜陽》裡的一句話：「竭力將所認為美的事物原封不動地描繪成美-是幼稚、愚蠢乃至完全謬誤的」，霍剛的作品無法輕易聯想到現實中的物體，在用色上也很難與情緒連結，像是一個未曾於地球誕生的標誌產物，但有趣的是畫中的所有都是他由生活中、自然中賦予而來。

其中，霍剛提到Laszlo Moholy-Nagy這位畫家的觀念，他認為「所謂的空間，即感覺之體驗的真實性」。「體驗」，體驗真實性，更是為何我們要使用五感去觸碰這世界的意義，給了我很大的啟發，我們可以透過感覺去想像所有東西，也可以憑空創造出那些新意象，但缺乏了體驗性，導致不夠扎實穩固，所以很容易就消散，但體驗當下更能夠維持住精神，感受到抓住風的那一刻，再感受風抽離的那一刻，就像是在下筆的那一瞬間才能夠體驗到的感覺。他的作品無法用世俗的狹隘觀點去評斷，看不懂也很正常，因為那是他的體驗、他的精神，但他給了我們除了作品本身之外的意蘊，抽離後的精粹，因此我很欣賞、著迷這個過程。

比田井南谷 Nankoku Hidai

「透過借用古字形態，創作出無法辨認的筆劃線條」-Ｍ+雜誌。

為戰後藝術家，想在那個年代破格，是極為艱難的事情，他不想要使用既定意義的「文字」來表達，因為文字本身就已被定型，被賦予型態與情感，唯有拋棄掉那些才能夠不受拘束創作出全新的意象，他的作品令我有別樣的感觸，在地面上拿著巨大筆刷創作，因為這個過程會使用到全身的肌肉力量，所以呈現出來的線條更為靈動，一氣呵成，作品中有許多飛白，因此近距離觀賞時會有某種力量，甚至能感受到當時轉動筆刷的姿態，墨水蔓延的痕跡細節也非常耐人尋味，揮動時噴灑出去的水墨減至最少，不托尾，讓主體的氣韻依舊流動在畫面中。《Work 57-9》這幅只能在東京畫廊上看見，是以黑底色創作比在台北看見的更為前衛，更令人讚嘆，黑與白流動快速，之間的關係也較爲複雜，清楚展現自我情緒、風格。

其實他已經不是在做書法，而是拿著具歷史性、傳統性的外殼表達全新的抽象，打破、自我情感的全新注入、誕生屬於它的線條。那些微不足道的思考過程，有時候卻會令人詫異。原來，大家都是一樣的，只是有人選擇略過，有人選擇將它轉變它。

許多畫中會帶著性格，原深處的靈魂，看不見、摸不著，但卻知道他們的存在，以及靈魂之間的各種差異性。每個人都會思考，但思考的深度及延伸，還是能看出不同的差異，確實看到了技法很好的藝術家，但呈現出來的是淺層的表現，不能說這是好或是不好，但是當我們要對藝術追根究底並且解碼藝術時，深度必定是或不可缺的東西，他們需要犧牲的就是打破理解的常態，犧牲後、屏棄掉的就是藝術的誕生，我大概知道了，那我們更不能夠只是一眼或是幾秒鐘、幾分鐘就看清楚藝術的底蘊。

回眸

儲備體力依舊很重要，在前晚睡了好眠，仔細想想不像之前懶散閒晃，慢悠悠的看著作品，這種活動何嘗不是一場大雜燴，需在一定的時間內品嚐許多料理，但又需要有條有理進行，思考什麼樣的順序安排才能夠滿載而歸、最大效益化，這次我確實不時望向手錶，督促自己的速度，多了制式的規劃，而這五個小時是以飛奔的速度在渡過，有時候不小心思考久了、待久了，半小時就過去了，所以上半場時間消耗的體感非常深刻，在下半場漸漸疲憊，最後卻有多出一個小時的時間，能夠回顧自己想再次觀看的作品。

再往後推一點。

西元2022年，令人莞爾一笑，多麼真貴的回憶，還好留下的文字能夠令我回顧，感到真切的可愛，看到什麼都覺得好新鮮，如今走過許多展區看見藝術家及作品，那熟悉的記憶又竄出，再次愉悅地走進去欣賞，不只是理解作品本身，同時也能看出這一、二年他們做了哪些改變，提升了多少層次。我想這短暫的兩年對於心思細膩的藝術家足夠做出巨大的轉變或是新體悟，《雪融翠生》依舊令人酷愛，這兩年一直在期待著他，只是今年還是尚未看見。

西元2023年，喜歡黑暗中帶來的美好，靜謐、星光、月亮、影子。《表面深度》強烈的作畫風格，速度與緊張感與穩定同時存在，二律背反的概念令人震驚，合理的存在，依舊過目不忘，這時候已漸漸成長，還在等待著時間與衝擊的來臨。還記得那天寫下的夢境，回到那間老學校，陽光灑在面前的樹，朦朧的黃光烙印在腦海裡，那些被記住的夢都特別迷幻美好，除了在我們的現實生活中創作外，夢還是個令人驚訝的創作方式，總是會將那些衝擊的畫面結合在一起，並且能夠喚起當時的感官，這些深刻也能算是種人生的「體驗」嗎？

西元2024年5月，《飛越永久的花園》、《他方》的靜觀精神成為我的心思考方式，《Blumenserie》讓我漸漸將每個圖層抽出釐清，我看見許多未曾見過的表現方式，這也許也像是西元2022年第一次參展的模樣。我花了很多精力在感受、釐清上，而理解了連結的重要性，將藝術的歷史緊緊相依，不斷深掘到寶藏，一直往內找尋的感覺很令人興奮，一個作品連結至藝術家的其他作品，穿透力的展現及延伸的傳染力牽引，雖有可能止步於往後的新作品，但很慶幸的是那些與我連結的藝術帶領我走上更高規格的境地。

西元2024年11月，努力擺脫那些不必要的精神內耗，卻發現這也是成為養分的一環，產生了好多種情緒，好多色彩來回交替，因此回顧10月的Art Taipei會有好多種情緒交錯。

光影、色彩、精神、體驗、空間、圓、線、糾纏、浸潤這些不斷堆疊上去，顏色沒有絕對，每一個顏色都刺激著大腦，去接收、反映、釐清它所帶來的。體驗更是我們的基本，即便有算了吧的念頭，都曾暗示著體驗過，怠惰才是最為可悲的事情；而體會，全神貫注於之間迴盪搖擺的自我，經過這次的洗禮後，再次讓人煥然一新，這件事情好像越來越放鬆，跟隨自己，自然而然就有了啟發出現，讓我覺得藝術其實移動得非常緩慢，可能是文明往前的同時又必須顧忌內心那易碎又需緩慢成長的因子。

除了自我，我們的情緒、工作品質、環境也因此被提高了水準，有更多的是回推本質的思考，就跟看畫一樣，時常找不到核心究竟是什麼，會被亮眼的部分吸引，以為這就是所有的重點，卻直接蒙蔽了雙眼的原有的可見度，忘了後面還有更大片的面積。這也是為了訓練自己眼睛與大腦同時看見內與外，接著合併起來思考，解碼，得出自己的答案。

接納當下的感受，漸漸觀察到很多藝術家探討這個世界的虛無，雖然這是個沒有答案的東西，卻能夠讓心與靈魂漸漸打開，承接更多不同的意志，不管是幸福或是痛苦，都是需要去主動承擔，都是跟隨生命的本質往這個方向前進，這些無形的東西好像最能夠用繪畫的方式記錄下來。喚醒，恣意的每一筆，色料所迸出的生命力，環繞著這個星球，到最後，不管往哪個方向最終都會再次相遇，成為一個新定義的東西，以證明這是自己曾存在過的痕跡。

這些作品，雖然揭開了自己許多隱藏在內的心境，或是長久以來疑惑的事情，但越是這樣，好像會越藏越深，永遠都挖掘不完，太憋屈了，希望偶爾也可以放開自己，將自己很直接的感受創作下來，因為自己本身就是這樣的人格，理解這種小心翼翼怕被人發現的不適感，將藏在深處的東西等到合適的某一天再一次流露出。

感受恐懼

我們都將會一直不斷經過這一條條的隧道，有時候隧道很短，一瞬間就能夠感受到陽光照耀進眼眸，享受這種重見光明的滋味，絲毫想不起黑暗的恐懼，但偶爾也會有隧道的距離非常長，在這個過程中，開始感受恐懼，伸手不見五指，找不到方向，找不到其他顏色，將會悲慘地自我懷疑，放棄叫喊，哀求著就算一絲光芒照入也好，就算是黑暗中的一滴露水的反射也好。

今年的秋天我嘗過那種滋味，也從那條隧道出來了，深邃的黑真的很可怕，但它卻也將我洗滌一番，讓我從在冬天又重新活了過來，內心的花園萬物復甦，我體會到包容的大愛，但我一旦又陷入其中，恐懼又會湧上，又會無法自拔，不過這過程就像是提供我續命的能量，反覆循環，這樣短暫浪漫的秋天真的陰鬱得令人傷腦筋，但想想或許我正在努力蛻變，所以確實會有很難描述的情緒。

揮別我們的序

要說不喜歡孤獨的滋味嗎？我們總是要依賴著某種東西過活，依賴氧氣、水、光、另一個人類、愛、音樂、藝術等，學會與自己相處後，即便時常搞不清楚自己的情緒跟想法，但習慣踽踽獨行的方式後好像更能嚐到自由的滋味，非常自在，而我們所需依賴的那些東西好像也都在藏在自身裡，正因為如此，能夠更誠實地面對自己，不管何時，我好像一直在說話，原來我一直與自己對話。

閉上雙眼，可以感受到光影在空間之中晃蕩流動，眼眸裡的殘影，產生更多的像是未來的記憶，想像在無人的世界，漸漸加入自己的意識，腦中會出現未曾見過卻能夠想像出來的畫面，當冥想結束後，睜開眼的那一刻是最令人期待的，眼前會是藍藍霧霧的，漸漸清晰，意志又更堅定了。

You are loved，我想起青春裡種種的失利挫敗，一直在找尋正確的答案，但如今卻覺得很傻，它並不是如此狹隘，它有遼闊的開口，雖然有條有理，脈絡卻完全相通，沒有死路，即便你的痛苦撒滿一地，藝術也不會拋棄任何人的，反而會對你療傷，圍繞在你身旁，靜靜地由我們的悲傷、喜悅成就它，柔化成最符合我們的樣子。人生、生活、藝術、工作，我們都必須要從中汲取養分成長，都需要不斷跨過挑戰，即便時常覺得很疲憊，產生疑惑，但就是這世界最基本的定律，需要的是適應。

小時候抬頭望向天空，那些白雲跟著自己一樣，都是很簡單、純粹的，白雲還能不時變化模樣，卻不知道那些厚重的雲裡居然充滿了雷雨，多麼另人幻滅的現實。長大後看向白雲，還是會發呆望著，但並不是覺得那是自己，原來，不知不覺我已經將自由寄託於雲之上，站在地面的我卻顯得我們完全是不一樣的，渺小、不受眷顧，感覺隨時會被突然間的暴雨淹沒全身，但現在我想我可以借助你的力量，努力往上到能夠觸及你的高度。

離開前，再次回頭看了今年的招牌，似乎因為夜晚的降臨而顯得更閃亮。我們這種生物，總是非常感性地來理解所有事，非常看重自己的情緒，認為這就是所有事的真相，過陣子後又將它遺忘，就這樣不斷反覆重演，我想終有一天應該又會被再次審判的。

—————— 心得・結束 ——————
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